En Polonia

BOLETIN CULTURAL

Redacción: Joanna Nawrocka (jnwrocka@instytut-teatralny.pl)

Traducción: Anna Galas

Prólogo

El primer número de newsletter del año 2010 resume  casi entero el año anterior. Ultimamente escribimos sobre los estrenos más importantes del 2009, como „T.E.O.R.E.M.A.T.”, que dirigió Jarzyna, „Persona” que dirigió Lupa o „(A)pollonia”  de Warlikowski. Pero durante el año había otras estrenos también muy interesantes. 

Maja Kleczewska, ausente de unas temporadas, preparó dos espectaculos: en el „Teatro Naciona”l „Marat/Sade”, de Peter Weiss, y en Bydgoszcz - „Platonóv”  de Chéjov. Jan Klata estrenó tres obras, todas basadas en textos polacos: „Szajba” de Małgorzata Sikorska-Miszczuk, „Ziemia obiecana” („La Tierra de la gran promesa”) de Władysław Reymont y „Trilogía” de Henryk Sienkiewicz sobre que  aquí escribiremos. Nos llaman mucho atención mucho interes dos estrenos de este año de Jarosław Rychcik, director joven, que en su primer espectáculo „Versus”, según Brecht obtuvo un gran exito en el festival de Nueva York, „Under the Radar”. Os presentamos también espectáculos de los representantes de la „generación joven”, de Barbara Wysocka, Agnieszka Olsten, Paweł Passini, y también de los artistas ya conocidos. El último grande espectáculo de Jarzyna; de los maestros: „Tango” de Mrożek dirigido por Jerzy Jarocki (amigo del mismo curso de Grzegorzewski); además de grandes artistas extranjeros: el griego Miachael Marmarinos i el ruso Ivan Vyrypaev.

En el acercamiento os presentamos el excelente teatro de danza polaco de Dada von  Bzdülöw y sus tres últimas producciones. En breve conoceréis qué artistas contaban con contratos en el extranjero. Os recomendamos, también, el proximo festival  en el que vais a tener la posibilidad de ver los grandes espectáculos de las últimas temporadas; entre otros de Krystian Lupa, Krzysztof Warlikowski, Jan Klata o Maja Kleczewska.

Índice

Los espectáculos:

• Bydgoszcz: Antón Chéjov „Platonóv” / Varsovia: Peter Weiss „Marat/Sade”, dirección: Maja Kleczewska.
• Kielce: Bernard-Marie Koltès „La soledad de los campos de algodón” / Varsovia: Roland Barthes „Fragmntos de un discurso amoroso”, dirección: Radosław Rychcik.
• Cracovia „Todos los tipos de muerte” según Herman Hesse, dirección: Paweł Passini.
• Cracovia: „Trilogía” según Henryk Sienkiewicz,  dirección: Jan Klata.
• Varsovia: Ivan Vyrypaev „Julio”, dirección: Ivan Vyrypaev.
• Varsovia: Dorota Masłowska „Entre nosotros es así”, dirección: Grzegorz Jarzyna.
• Varsovia: Sławimir Mrożek „Tango”, dirección: Jerzy Jarocki.
• Wrocław: „Acrópolis. Reconstrucción”, dirección: Michael Marmarinos.
• Wrocław: Peter Handke „Kaspar”, dirección: Barbara Wysocka.
• Wrocław: „Samsara disco” según Antón Chéjov y Víktor Pelevin, dirección: Agnieszka Olsten.

Acercamiento
• Dada von Bzdülöw – teatro de danza

En breve
• Los artistas polacos en extranjero

Festivales
• Festival de las obras agradables y desagradables, Łódź

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Espectáculos

Teatr Polski, Bydgoszcz http://www.teatrpolski.pl/
Antón Chéjov „Platonóv”. Estreno 3 de julio 2009.
Dirección:  Maja Kleczewska, Guíon: Maja Kleczewska, Łukasz Chotkowski, dramaturgia: Łukasz Chotkowski, Escenografía: Paweł Wodziński, Vestuario: Mirek Kaczmarek, Música: Piotr Bukowski, Igor Nikiforow, Iluminación: Justyna Łagowska.
Foto: http://teatrpolski.pl/index_en.php?app=spektakle&cid=496&more=496
Wideo: http://www.youtube.com/watch?v=yutBZLEEEaM

Teatro Nacional, Varsovia http://www.narodowy.pl/
Peter Weiss „Marat/Sade”. Estreno 7 de junio 2009.
Dirección: Maja Kleczewska, Escenografía e Iluminación: Katarzyna Borkowska, Música: Agata Zubel, Guión: Łukasz Chotkowski, Coreografía: Mikołaj Mikołajczyk.
Foto: http://www.narodowy.pl/spektakl_szczegoly/?s=4730
Wideo: http://www.youtube.com/watch?v=JpOtFKJQYng

La crítica

„Platonóv”
Joanna Derkaczew, „Gazeta Wyborcza”:

Maja Kleczewska mezcló el realismo ruso con, la comedia romántica y la tragedia de ambición creando, un espectáculo impresionante  en el cual los actores, y sus sueños con los grandes papeles, son los protagonistas. (...) Escena se parece al sitio de rodaje de un sitcom, cada uno de ellos, sin problema, puede entrar en el papel de Marilyn Monroe, que demuestran apareciendo los tres juntos con inolvidables pelucas rubias y vestidos ligeros. Pero al mismo tiempo están interpretando una de las primeras obras de Chéjov, que se va rompiendo y perdiendo la estructura, apareciendo con nuevos hilos. La directora evita llevar a Platónov con una sóla idea, no desea contar una historia coherente. Los diálogos y las escenas se repiten en versiones y configuraciones diferentes. El fin sale en medio del espectáculo, algunos personajes y motivos se van diluyendo completamente y las cuestiones singulares son excusa de estudio durante minutos. La primera parte todavía se parece a un drama ordenado, que termina con la orgía dionisiaca en un montón de uvas artificiales y fuentes de vino sangrante. La segunda parte se parece a una serie de ensayos o un casting. (...)
El espectáculo está montado con imágenes  exegeradas, improvisaciones sueltas. Las charlas de Platonóv con las siguientes mujeres de su vida no son escenas románticas y las escenas actuadas, son representadas como tales.. Cambian sólo las formas, vestuario, música – triviales e irónicos fragmentos subrayan sólo la pobreza de „los grandes” provincianos dramas del corazón.

„Marat/Sade”
Hubert Michalak, Nowa Siła Krytyczna

Del espectáculo sale, a lo mejor sea sin intenciones de la propia directora, para la cual la obra sería sobre „la necesidad de acaudillamiento”, el cuento matateatral sobre los actores, el trabajo mortal en la escena, el teatro pagado con la sangre. (...) Bastante rápido nos orientamos que no es sobre los locos, no es sobre la triste prueba de construir el espectáculo que se destruye todo el tiempo. La atención del espectador empieza a concentrarse en otra cosa: las largas situaciones escénicas, estiramiento del tiempo teatral, las escenas que no tienen sentido en el nivel textual. (...) En este contexto es impresionante la escena de muy largo, lento y con mucha diversidad de intensificación baile con las muñecas de tamaño humano.  Los actores las abrazan, alegres los echan al aire, desnudan, las estrechan y besan, pero también las pegan, golpean con ellas el suelo, tiran del pelo y les rompen la ropa. Es la metáfora teatral de la actitud del actor a su papel. Esta larga escena hecha de movimiento tiene todo lo que puede parecer al trabajo con el papel: amor, sacrificio, odio, indiferencia, alegría, la propiedad organoléptica de juntarse el actor con su personaje, esfuerzo, concentración. Si lo miramos así tiene más sentido también el cuadro final, la simbólica separación de los actores y muñecas.

Łukasz Drewniak, „Przekrój”

Kleczewska está preguntando: ¿quién es de Sade hoy? Arrugada, blanca, seca Danuta Stenka no interpreta el papel de marqués. Es amargada y cabreada, muerta y viva al mismo tiempo, como Oriana Fallaci antes de la muerte o cerrada en su solitario retiro austriaco Elfride Jelinek. Para la vieja mujer filósofa la revolución, o sea, genecidio, es el más ambicioso y extremo protesto contra la mortalidad de ser humano. Patrycja Soliman (Charlotta Corday) pone sus manos en la boca para sacar las palabras de la garganta de sonambulica. Sus monólogos son como vómito lento, fea desnudez de la bella mujer. El más grande descubrimiento de la obra es Paweł Paprocki como Marat. Caracterizado como Ryszrd Cieślak del „Principe constante” o Klaus Linski del performance „Jesucristo, el Salvador”, no es, pareciendo a un cantante de la ópera ni es acrobata, cuando está tocando Estudio Revolucionario de Chopin.
Kleczewska construye su cuento con retracciones en los teatros de Pina Bausch, Goebbels, Pandur y especialmente de Einar Schleef el cual le sugiere el pensamiento de la ópera, de grande gesto, de movimiento de las masas humanas. Increible, en sus ritmos musicales, el coro gritando, no es sólo la sociedad buscando las ideas pero también, la cruel y primitiva fuerza. Armia de los locos en la gran coreografía, de media hora, mecániza las palabras y cuerpos buscando la rebelión, pero sus gritos y martirio  no van a cambiar el mundo. Los revolucionarios y los jefes del Marat caen agotados, pierden la vida en el caos que construyeron porque „la revolución es nuestro descubrimiento, pero todavía no hemos aprendido a usarlo”. El cuerpo pierde con la palabra, las ideas come muchedumbre con hambre. Kleczewska está interesada por la revolución como el cambio, la caída sorprendente del meteorito que destruye todo a su alrededor. Lo que va a salvar es el teatro, la única locura que nos da el derecho de la síntesis del mundo. El verdadero enemigo de la muchedumbre.

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Teatro Łaźnia Nowa, Cracovia http://www.laznianowa.pl/teatr/
„Todos los tipos de la muerte” basado en motivos de "Siddharthy"  de Herman Hesse. Estreno 30 de enero 2009.
Dirección: Paweł Passini, Escenografía: Małgorzata Szydłowska, Dramaturgia: Artur Pałyga.
Foto: http://www.laznianowa.pl/teatr/content/view/218/57/lang,polish/
Video: http://www.youtube.com/watch?v=K43DEBfX15M

La crítica

Łukasz Drewniak, „Dziennik” – „Kultura”
Passini recuerda que Grotowski volvió de India cambiado, que Brook hizo „Mahábharata”. Por eso mira a sí mismo: que me pueden dar a mí las Indias. La introducción al espectáculo son como los apuntes íntimos del viaje. Unos cortos turísticos en la pantalla, el director contando por micrófono sobre su hambre de la simbólica, la búsqueda obsesiva de la unión de sus espectáculos con el mundo al que entraba como un extraño. Passini está todo el tiempo en el espectáculo, tocando el clarinete y el sintetizador, canta, como encantador de serpientes pasa el ritmo a los actores, que andan en la nieve artificial. Blanco es el color indio del luto. Porque el viaje del Siddhartha polaco, deforme porte parole del propio director es lamento funeral por sí mismo. Pero Passini se rie de nosotros , se rie de si mismo. Las Santas Indias, el sitio de iluminaciones espirituales se cambiaron en el mundo de Bollywood. No por casualidad los actores tres veces hacen las coreografías increíbles copiadas de las películas hindús. La música y el baile se comen el escenario. Siddhartha, que le sigue el espíritu de la Chica sin corazón (Katarzyna Tadeusz), de su paciente que le murió en la mesa de operaciones, y fascinado por el pop-budismo Ganesz son „los pobres Polacos que miran a India”. No ven la pobreza, el sufrimiento, la suciedad, sólo la santa utopía. En la escena audaz el grupo de forasteros polacos participa en las clases „la afirmación del vacío”, sin entenderlo. En las cumbres de las santas montañas resuelve  los problemas globales, habla con el perro (how? Jau, jau?) que puede ser encarnación de un pensador. La espiritualidad torcida, la iluminación fingida muy rápido se transforma en  en discusiones, en la carrera de cambio del espíritu. Pero realmente es sólo perplejidad.

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Teatro Stary, Cracovia  http://www.stary.pl/
„Trilogía” según Henryk Sienkiewicz,  Estreno 21 de febrero 2009.
Adaptación: Jan Klata, Sebastian Majewski, Dirección y trabajo musical: Jan Klata, Escenografía e  Iluminación: Justyna Łagowska, Coreografía: Maćko Prusak, Vestuario: Mirek Kaczmarek.
Foto: http://www.stary.pl/spektakle.php5?co=sztuka&sztuka=122# , http://www.wiadomosci24.pl/artykul/boska_komedia_trylogia_w_rezyserii_jana_klaty_119240.html
Wideo: http://www.youtube.com/watch?v=jGVdlLNWExw

A los finales del siglo XIX, el autor polaco Henryk Sienkiewicz escribió „Trilogía” que aseguraba su posición como el escritor superior de su tiempo. Compuesta de tres vovelas („A sangre y fuego”, „La inundación”, „El señor Wolodyjowski”) „Trilogía” está basada en hechos reales. Queriendo representar cada detalle, Sienkiewicz laboriosamente, creó el mundo de la convivencia de los Polacos y Lituanos en el siglo XVII. „A sangre y fuego” se concentra en el levantamiento en Ucrania durante el reinado del Jan Kazimierz, „La inundación” se refiere a la invasión de los Suecos a Polonia y a los eventos de la guerra con ellos. La última parte „El señor Wolodyjowski” termina la serie y está enfocada en el ataque de Turquía contra Polonia.
La gran popularidad de „Trilogía” no cabe duda: incluso la gente organizaban una protesta contra los planes de cambios de construcción de alguna iglesia, en la que posiblemente, tuvo lugar el fictico funeral del protagonista de „A sangre y fuego”. El receptor del premio Nobel Sienkiewicz sigue siendo uno de los más respetados escritores polacos.

La crítica

Joanna Targoń, „Gazeta Wyborcza” – „Kraków”
Presentar en una sola tarde la „Trilogía” entera en la escena es una idea loca. Y se formó el espectáculo loco. Divertido, espantoso, sorprendido, incluso conmovedor.
La escena es una iglesia destruida, cambiada en un lazareto. De bajo del altar negro, con la imagen de la Santa Virgen de Częstochowa, están las camas del hospital; por un lado apoyado con unas tablas el púlpito y en los rincones cachos de paja. (...) Viene la siguiente guerra, los paganos amenazan a los cristianos, la partia en caso de necesidad. Aquí los protagonistas, heridos en la lucha constante contada por Sienkiewicz en „Trilogía”, están tumbados en las camas del hospital. Pero se ponen de pie, tomandose sus papeles energicamente. Los papaeles están repartidos, no por apariencia, pero,  como vamos a ver, tampoco por casualidad. 
El que los actores no cuadren con la edad o apariencia a los protagonistas de Sienkiewicz permite una mirada más profunda sobre ellos, a dejar el costumbrismo de vista, por las lecturas de la escuela y por las películas de Hoffman. Esto que al principio parecía al concepto sencillo resulta buen punto de la interpretación. ¿Krzysztof Globisz como Kmicic? ¿Hombre gordo en chaqueta de cuero como un guapo capitán? Pero Globisz ligeramente y con gracia desarrolla su protagonista, y vemos su infantilismo, la valentía mezclada con soberbia y estupidez., encanto con el que seduce a Oleńka y al Bogusław Radziwiłł. (...)
Klata tiene la debilidad de los protagonistas de Sienkiewicz (es posible porque le caen bien sus actores y ellos se encuentran bien en su mundo). Su revisión de la „Trilogía” no es sólo el descubrimiento de los defectos, rascar las heridas y descrédito del pensamiento político polaco con su xenofobia, sentido de alteración y miopía. Junto con los actores siente de nuevo , en breve, guerras continuadas, asedios, traiciones, persecuciones y huidas. Los actores galopan en las camas, construyen de ellas trincheras de Zbaraż por las cuales se arrastra las enfermera cada vez más rápido y abundante venda a los caballeros. ¿Si esto es todavía el Zbaraż o ya la Varsovia durante el levantamiento? El Azja Tuhajbejowicz mata a los polacos que están de rodillas con las flechas en el occipital.  ¿Es la Ucrania del siglo XVII o Katyń? El tiempo se pone más denso y el traumatismo nacional se junta. Igualmente se juntan los estilos diferentes, desde los chistes de cabaré por la maligna  ironía hasta la seriedad. Y cuando ya parece que entendemos las reglas del espectáculo Klata enseña algo nuevo y sorprendente.

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Teatro Na Woli, Varsovia  http://www.wolnawola.home.pl/
Ivan Vyrypaev „Julio”. Estreno 9 de octubre 2009.
Dirección: Ivan Vyrypaev, Escenografía: Marcin Kwietowicz, Música: Bartosz Dziedzic, Vestuario: Katarzyna Lewińska, Iluminación: Piotr Rybkowski, Andrzej Król.
Foto: http://www.mmwarszawa.pl/5870/2009/9/28/teatr-karolina-gruszka-w-monologu-letniego-faceta?districtChanged=true

La crítica

Agnieszka Rataj, „Życie Warszawy”
El espacio es vacío y grande. El micrófono pasado de moda en el centro. El juego de las luces marca cada movimiento de la actriz, cada cambio. Solo, raramente, las proyecciones presentadas en la cortina al fondo. Una actriz, menuda, no hace el papel de personaje. Cuenta la historia, en la que, como siempre en Vyrypaev, lo santo se junta con blasfemia, crueldad con amor, condenación con salvación, terror con la sonrisa. Sólo cuenta pero se percibe la tensión hasta el final.
El protagonista de „Julio”, Piotr, es el de un hombre viejo que está consciente de su locura, pero no es capaz de hacer algo para parar su crecimiento. El camino de su crimen se pone en su imaginación al mismo tiempo el camino hasta la salvación y santidad. Es el siguiente ruso Loco de Dios, que Vyrypaev le forma de los hilos cogidos de Dostoyevski y de Tolstói. Forma esta historia en la tradición rusa, construyendo al mismo tiempo un cuadro cruel en la manera contemporanea, con las escenas de las que no tenía reparos Quentin Tarantino.
Para la historia de este viejo psicópata, asesino y caníbal, Vyrypaev encuentra la forma excepcional  que tiene la actriz. Karolina Gruszka es sólo revelador de esta narración, aunque hecha en la primera persona, construye el distanciamiento necesario entre ella y el personaje de Piotr, el protagonista de „Julio”. Parece que escuchamos una balada picaresca de los viejos tiempos. Lo subraya también el ritmo de la narración: raro el staccato que pasa melodioso a veces en el grito, que  introduce el trance al escuchar. Es la sesión de una actriz que es al mismo tiempo chamán de la obra y una diva estilizada en el viejo estilo, que encanta al público con micrófono. La sesión cortada con el final, absurda entrada de los tres hijos del asesino que van a enterrar el cuerpo de su querido padre. En la pantalla un fragmento de la vieja película, en la que la escena de la recojida de la tumba, en un slapstick cambia a una guerra de tartas. ¿El mundo se alegra? Se ríe porque  el espanto crecía más que nada.
Vyrypaev demuestra con „Julio” que es uno de los artistas más originales del teatro contemporaneo. Porque esto que vemos en el escenario está pensado en cada detalle , es la totalidad integral donde todo está sometido a la visión del director. Una visión que hipnotiza.

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TR Warszawa http://www.trwarszawa.pl/
Dorota Masłowska „Entre nosotros es así”. Estreno 26 de marzo 2009.
Dirección: Grzegorz Jarzyna, Escenografía: Magdalena Maciejewska, Vestuario: Magdalena Musiał, Iluminación: Jacqueline Sobiszewski, Trabajo musical: Piotr Domiński, Grzegorz Jarzyna, Video: Cókierek, Pani K.
Foto: http://www.trwarszawa.pl/node/45/zdjecia
Wideo: http://www.youtube.com/watch?v=92zVEdI4lRM, http://www.youtube.com/watch?v=RiYEM4D_KXQ

Espectáculo es la coproducción de TR Warszawa y  Schaubühne am Lehniner Platz. El estreno tuvo lugar durante el Festival Internacional de los Autores „diggin’ deep and gettin’ dirty” en Berlin.

La crítica

Łukasz Drewniak, „Dziennik”
Jarzyna le dejó llevar la iniciativa a Masłowska. No la estorbaba en el primer plano, encontró el espacio en el que todas las posibilidades de una autora pueden materializarse. En lugar de habitación-trastero en el viejo edificio varsoviano hay un estudio blanco y negro cerrado con tres paredes pantallas. El lugar de acción es una casa que no existe. (...)Casi todos los otros accesorios se van a proyectar como animaciones en la pantalla. Los protagonistas entran en este espacio como en el corral zoológico o en un ring de boxeo de palabras por la tele. Jarzyna no limpia las impurezas dramatúrgicas y no hace correcciones sin consecuencia entre los personajes. Va allí donde le llevan las habladurías de los personajes, unos saltos de la imaginación de Masłowska. Su papel es sólo organización del mundo escénico, añadir el beat adecuado, engancharle unos ornamentos. Quiere un teatro casi transparente, unos jugetes, una pizca de efectos video, que calma con falsedad, la música chillout como cogida del mundo del absurdo. Es sólo parecer que es un estreno ligero, simpático con mucho humor. Jarzyna define la oscuridad através de la claridad. Todo el tiempo se siente una tensión extraña de los papeles irregulares de los actores, del espacio, y diciendo frases ingeniosas. En la casa que no existe viven la trabajadora de supermercado Halina, su hija Pequeña Cica de Matal, una depravada rubia con trenzas y la Abuela en silla de ruadas. Les visita „gorda como el cerdo” Bożena, la embajadora del olor „vieja mujer”. Y luego otras personas, no se sabe si de la tele o  si de la prensa rosa. A las mujeres de la casa que no existe no les servirá nada, ellas sólo hablan. Lleno de absurdo, el lenguaje roto es el verdadero protagonista de la obra de Masłowska. Sus retruécanos y paradojas  no son sólo el juego del idioma polaco, destapar la taba de basurero que tiene en la cabeza. Esta vez la burla imitada del lenguaje de autora de „El pavo de la reina” no sirve sólo para desenmascar los protagonistas, su conciencia y vista a la realidad, pero intenta definir la naturaleza del mundo a la polonaise. La Pequeño Chica de Metal se cierra en su parte de la habitación, su madre Halina compra gratis el periódico „No para ti”, la Abuela no va de paseo, por eso no pasa lo que ya había pasado. Masłowska, en esta manera, encuentra el sentido de ser polaco, el sentido entero de la vida en Polonia. (...) Al principio parece que lo que acentúan las protagonistas es el aspecto negativo de su realidad, „falta de habitación”, esto que otra vez no van de vacaciones, no van a comer algo o que no compran nada, estereotipo polaco encubrimiento de lo vacío material y emocional. Quejas continuas que está mal, aunque podría ser peor. Solamente el final pone este estilo de hablar en nueva perspectiva. Danuta Szaflarska y Aleksandra Popławska, abuela y nieta, están en la escena con los mismos vestidos cuadrados. Al fondo, en las pantallas, caen las casas de Varsovia bombardeada. Resulta que la abuela murió en el primer día de la guerra, entonces su hija nunca nació, tampoco existía la Pequeña Chica de Metal. El mundo que hemos visto no existía, desde siempre existió en la negación absoluta, en nulidad. La guerra había destruido un mundo, y este que se construyó luego fue falso desde el principio. La gente que murió, o ni nació ,no tenía posibilidad para existir, siguen viviendo en la Polonia negativa. Por fin hay tantos de ellos que la falsa Polonia cubre a la Polonia vrdadera, que ni existe. Es un refugio de fantasmas, mentiras, ilusiones, afectaciones. 

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Teatr Narodowy (Teatro Nacional)  http://www.narodowy.pl/
Sławomir Mrożek „Tango”. Estreno 29 de octubre 2009.
Dirección: Jerzy Jarocki, Escenografía e  Iluminació:n Jerzy Juk Kowarski, Coreografía: Leszek Bzdyl, Música: Stanisław Radwan.
Foto: http://www.narodowy.pl/spektakl_szczegoly/?s=4917
Wideo: http://www.youtube.com/watch?v=ziFZg0O0JVY crítica

La

Tomasz Miłkowski, „Przegląd”
El cuento sobre el mundo en el límite Jarocki lo divide en dos partes y dos espacios. La primera parte tiene lugar en el salón de los Stomil. Los espectadores están sentados en las sillas y sofás, puestas en circulo en el salón donde están desordenados los viejos trastos, entre ellos coches de niño en el que dormía el pequeño Artur, catafalco del abuelo muerto, mesa y unas sillas. Desde este trastero quiere salir Artur y llevar a su familia que está en degradación, que come viejas ideas que la rebelión les cambiaba en banalidad. Se nos dejaba entrar, al público, al salón, al espacio abierto que unas puertas llevan fuera de los dormitorios, a la cocina, al escondite, donde la famila juega el bridge perdiendo la control de Artur. En este salón, Stomil hace su experimento teatral. Pero  diferente de las que hasta ahora se podrían ver en las realizaciones de „Tango”. No es una triste presentación del teatro de títeres, este será un experimento con fuerza, basado en la buena literatura y conocimiento de happening y performance. En esta versión de „Tango”, Stomil no es un padre ex-vanguardista que se pone la ropa de un rebelde perpetuoso, es un artista que siempre busca y se le rechaza como un vanguardista. Artur no puede aguantar el mundo antropomórfico en el que todo está perdido y sin cualquier orden.  Como la última salvación, coge la convención: pide por la mano de Ala y con la ayuda de su tío Eugeniusz empieza la contrarevolución. Su fruta envenenada la probamos en la segunda parte. Después del descanso cambia de auditorio y el recibo de los billetes (ahora los sitios están numerados), Jarocki nos lleva del salón al teatro burgués (odiado por Stomil). Hay telón, butacas, cundo se abre el telón Eugeniusz coloca cambiada y abrochada a su familia para hacer la foto memorial, reprende a Stomil por tapar la vista de una mujer de la segunda fila (de público). No cabe duda: estamos en el teatro antiguo, el espacio abierto se ha cambiado al cerrado, ahora hay convencionalismo. Edek en la ropa de un lacayo, con dignidad hace sus obligaciones, los modales estorban a todos, el cuello molesta a Stomil, sólo Eugeniusz triunfa, aunque es el triunfo con amargura, puede ser que con el sentimiento que llega tarde para esta restauración. Así sucede una sorpresa: Artur descubre que no hay vuelta al viejo convencionalismo pero tampoco hay vuelta al nihilismo de vanguardia. En la busqueda de la idea significativa le ayuda la muerte de la Abuela. Aquí está la idea nueva (?), o tan vieja como el mundo: violencia, poder, fuerza. El reformador usa el terros, alenta con el ritmo a sí mismo a la lucha, rompe los platos en la mesa, marca con ellos el ritmo de batalla, al final pone la silla en la mesa, se pone de pie en ella para dominar como Henryk en „La boda” (de W. Gombrowicz) o Kordian en Mont Blanc (en la obra de J. Słowacki) en el espectáculo de Hanuszkiewicz, en lugar de una escalera Jarocki le lleva a Artur en la silla. Pero la silla, especialmente en la mesa, es el trono que se mueve. El nuevo rey cae con el primer golpe: Ala le dice sobre su amorío con Edek, con quien pacta un acuerdo que tiene que garantizar a Artur el reinado. El reformador muere de la mano de su pretoriano, ahora viene su tiempo. Ahora viene el tango con el que invita a su tío. Eugeniusz esta vez cesa no sólo a la violencia, sino también a la tentación, porque después de la primeras figuras del tango, el toma el papel de conductor. Quizá sólo Eugeniusz es el único que saque provecho de la catástrofe. 

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Teatro Współczesny en Wrocław http://www.wteatrw.pl/
„Acrópolis. Reconstrucción” en motivos del drama de Stanisław Wyspiański y el espectáculo de  Jerzey Grotowski. Estreno 11 de diciembre 2009
Dirección: Michael Marmarinos, Escenografía: Dominika Skazam, Coreografía: Leszek Bzdyl, Música: Piotr Dziubek, Dramaturgia: Joanna Biernacka.
Foto: http://www.wteatrw.pl/en/performance.xml?id=114
Wideo: http://www.youtube.com/watch?v=1zZXDBF2rOE,

La crítica

Joanna Derkaczew, „Gazeta Wyborcza”
Llevado a cabo en el Teatro Współczesny de Wrocław, el espectáculo de Michael Marmarinos „Acrópolis. Reconstrucción”, (según el espectáculo realizado con Józef Szajna en el año 1962) hace poco hubiese sido imposible de realizar. Existía el convencimiento que las obras de Grotowski son irreproducibles. Mientras tanto, el equipo joven lucha con el drama mitológico de Wyspiański en la manera sorprendendentemente ligera y modesta. Aunque el recuerdo de espectáculo de Grotowski se junta aquí con reflexiones „que es el contemporaneo Acrópolis polaco, el sitio de la memoria colectiva que es fundamental para el grupo”, no se siente ni patoso ni didáctico.
Los siete actores aparecen del receptáculo de agua como en el río del olvido, para de nuevo sentir esto que podría ser la parte del equipo de Grotowski. En el primer acto cmo las estatuas de la capilla en Wawel, se despierten a la vida, construyen el estudio de la pasión lleno de energía y magia. Sienten inclinación uno a otro, aprenden el tacto, movimiento, reconocimiento de emociones e impulsos en los cuerpos. Como los ángeles, personajes historicos y alegóricos, experimentan esto que es lo más difícil, el contacto con otro ser humano. Esta energía les servirá cuando, en la segunda parte, al fondo de las fotos encendidas del espectáculo de Grotowski van a repetir las escenas de esta legendaria producción. 
No es que sería mejor hacer „Acrópolis” más contemporaneo, para contraponer a Grotowski. Los artistas tratan con mucho cuidado y delicadeza el material de archivo. No cabe duda que es su espectáculo, su vista fresca, su fuerza creadora. No es una copia ni museo, pero si el punto de partida para sus propias busquedas. Si los siguientes artistas van a seguir luchando de la misma manera, con la herencia de Grotowski, existe la posibilidad de que él terminaría siendo un objeto con la tarjeta de  „no tocar”. 

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Teatro Współczesny Wrocław  http://www.wteatrw.pl/
Peter Handke „Kaspar”. Estreno 14 de marzo 2009.
Dirección, escenografía y música: Barbara Wysocka, Vestuario: Julia Kornacka.
Foto + Wideo: http://www.wteatrw.pl/en/performance.xml?id=105

La crítica

Anna R. Burzyńska, „Tygodnik Powszechny”
Barbara Wysocka se acercó a Handke con desconfianza: en vez de presentar a los espectadores la forma perfecta y consolidada, presentó algo parecido al acontecimiento teatral que se lee como si fuera un improvisación, como si naciera y muriera en nuestros ojos. En el espacio severo del attico teatral, en las tablas de la escena y construcción de metal que parece que están esperando hasta que alguien construye de ellas una escenografía, usando el micrófono, teles, proyector y video cámara el equipo de cuatro actores cuenta, actua, baila la historia que Handke al principio queria llamar „La tortura de hablar”.
En las pantallas y en las teles, al fondo de la escena, todo el tiempo están programadas en bucle las películas de blanco y negro, pobres, raros cuadros montados como si hubiesen sido grabados con la cámara aficionada de la crónica familiar: los niños jugando en el campo, los jovenes hablando, la mujer acercandose a la cámara, un perro huyendo, como si viésemos el efecto de escanear la mente de un paciente. Por fin se convierte en tabula rasa, alguien  a quien se puede desde principio enseñar a hablar y, que viene con esto, pensar (Handke da aquí la vuelta al orden evidente). En la pantalla se proyectan informaciones sobre los métodos, también de hoy día, de „llevar hasta el orden” por lavar el cerebro y las torturas psiquicas.
Fascinante como Kaspar Szymon Czacki, como si fuera creado para el papel de los inteligentes contemporaneos, hace aquí un esclavo de su propia sensibilidad y de crueldad de los otros (cuando en el otro espectáculo del Teatro Współczesny, él dice los textos de Ludwig Wittgenstein, da más fuerza a la obra de Wysocka). Su último monólogo en el que llega a un fragmento muy importante de sus propios recuerdos,  rememora la excitante sensación de la nieve que agrede las manos, como la negra pelota de goma de „La última cinta” de Beckett, se convierte en el germen de reconocimiento, permite encontrar, de nuevo, relación ente la palabra y el objeto, la idea y lo concreto. Kaspar no estaría aplastado con el telón pero se va del teatro gritando las metáforas de Shakespeare. El final es de doble sentido e inquietante, como toda la obra. Como la palabra que crea y destruye.   

Teatro Polski, Wrocław http://www.teatrpolski.wroc.pl/
„Samsara Disco” según Antón Chéjov y Víktor Pelevin. Estreno 6 de febrero 2009.
La obra: Agnieszka Olsten, Bartosz Frąckowiak, Dirección: Agnieszka Olsten, Escenografía: Joanna Kaczyńska, Movimiento: Tomasz Wygoda, Música: Marcin i Bartłomiej Brat Oleś, Dramaturgia: Bartosz Frąckowiak, Iluminación:Wojciech Puś.
Foto: http://www.teatrpolski.wroc.pl/fotogaleria.php?id=samsara, http://www.samsara.teatrpolski.wroc.pl/

La crítica

Łukasz Drewniak, „Dziennik Gazeta Prawna”
El texto de Pielewin ayuda a Agnieszka Olsten a quitar todo lo genérico de „Ivánov”, da la vista inhumana, de insecto, al mecanismo de los sentimientos, al destino de uno mismo, al sentido de existencia.
Siempre pensaba que la canción „El polvo de la paloma”, del grupo Lombard, es sobre amor. Agnieszka Olsten, con malicia casi infernal, persigue los hilos budistas. La frase „Cada noche lleva de nuevo el dolor sin sentido, plomo, no el polvo de la paloma” trataría de samsara del título, es decir el ciclo de reencarnación que somos los esclavos, y del sufrimiento del alma, que espera para la siguiente mejor vida. Escuchando la canción de hace 20 años, dos mariposas nocturnas Mitia y Dima de „La vida de los insectos”, de Pelevin,  se están convenciendo una a otra que la cantante no sabe de qué canta. El análisis de la creación lírica de Małgorzata Ostrowska es llenar con audaz visión, el hueco entre la novela de Pelevin y el drama de Chéjov. „Ivánov” aparece aquí, lentamente, através de las charlas filosóficas, convirtiendo a los rusos de hoy en día en los insectos de Pelevin. ¿De dónde viene la idea para esta combinación? La huella la daba el propio Pelevin. Su Mitia y Dima encuentran en matorrales el busto verde del dramaturgo. Sus pacientes explicaciones de los significados de hexagramas tibetanos, juega con la filosofía de los protaginistas de Chêjov . Con sus infinitos, la falta de satisfacción, pérdida y vergüenza.
En la primera escena los protagonistas siguen al bailarín-guía por una plataforma-montaña rusa. Es el único objeto en la escena que presenta la metáfora de la vida. Al mismo tiempo, el comentario a la idea común para los protagonistas de Chéjov y Pelevin: tendecia a conseguir algo mejor, otra vida, de nivel más alto de la conciencia. En la metáfora de Olsten la vida de los hombres es siempre el movimiento hacia abajo. Las mujeres pierden equilibrio, casi se rompen las piernas por los grandes tacones, pero sin parar, y penosamente siguen subiendo. Pero el otro lado de la montaña rusa también es abismo. Todos los protagonistas del segndo plano (El Conde, Borkin, Liebiediev) subían un nivel en autoconciencia, desesperación, dolor, las mujeres enredadas en los dramas de los sentimientos están bajadas dos niveles para que se cambiaran en sus propias caricaturas (Sara, Sasza). Sólo Ivánov está donde estaba en la obra de Chéjov. Más que cambiar su mujer enferma a otra más joven, le interesa definir su propia canallada. Él no quiere ser bueno. En este mundo, ni el sufrimiento, ni insatisfacción, dan nada en cambio. No les llena nada, nada les salva y nada les ennoblece. El amor no es el premio por lo bonito, la soledad no viene añadida con el regalo de lo bueno. Pero se cambian. Me gustó la tristeza madura de este espectáculo. Está allí la quiebra de la fe en la máscara de la doble identidad: convertida por el amor al ortodoxismo judío, Sara es la que más sufre. La ayuda de la gente no salva a nadie. Porque Olsten cuenta sobre la amargura que se siente al principio y al final del amor. Inutilidad en la desesperación de los protagonistas, por falta de esperanza de vida expresa, más no en la escena final del suicidio de viudo Ivánov, pero muy bien dichos los monólogos, de muy flaco quebrado Liebiediev. Porque como dice Pelevin: todos morimos de manera metafórica, pero el cadáver verdadero hace la diferencia en nuestra vista del mundo.

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Acercamiento
Dada von Bzdülöw – teatro de danza

El apellido de Leszek Bzdyl, cofundador del Teatro Dada von Bzdülöw, una de las compañías más conocidads de la danza contemporanea y de los teatros de danza, apareció dos veces en este newsletter, como autor del movimiento teatral de algunos espectáculos. En el año 2009 Dada preparó tres proyectos, todas tenían muy buenas críticas y gustaban a los espectadores.

El Teatro  Dada von Bzdülöw se formó en el año 1993 en Gdańsk, fundado por el coreógrafo y director Leszek Bzdyl y la bailarina y coreógrafa Katarzyna Chmielewska. Funciona como un grupo alternativo de bailarines y actores, realiza espectáculos en coproducción con socios de Polonia y el extranjero, con teatros, festivales, centros culturales, centros de danza (entre otros, Club Żak/Gdańsk, Dance Advance /Filadelfia, Les Hivernales /Avignon, Stary Browar /Poznań).  Durante 17 años de existencia preparó casi 40 estrenos, muchas veces inspirados por la literatura, textos de Gombrowicz, Boris Vian, Gyorgy Tabori. Frecuentemente presentan sus trabajos en Gdańsk. Dada fue el sitio de los principios de la carrera de danza para muchos artistas jóvenes de la danza; forman sus propios grupos, trabajan en los teatros como coreógrafos y bailarines.

„Dada von Bzdülöw funcciona en la frontera de la actuacion y la expresión de danza. Usa la poética de lo absurdo, fragmentos de banalidad cotidiana, contrasta la cultura alta con kitsch. El clima de sus espectáculos se constryue, por la forma plástica de la escena, la luz y el color. En uno de los espectáculos del „Teatro Dada von Bzdülöw”, aparecen leas entreconillas de pastiche el tono serio y lírico. Según los miembros del grupo esto que es lo más interesante en el arte, se forma en la frontera de las formas y estilísticas diferentes. Por eso, los actores con gusto usan en sus realizaciones diferentes estilos, se refieren al circo, teatro de feria, pantomima.”   www.culture.pl

 „Antes de mediodía, antes de anochecer”. Estreno, 7 de marzo 2009 en Teatro Nowy en Łódź.
Dirección: Piotr Cieplak, coreografía: Leszek Bzdyl, música: Patryk Zakrocki, Paweł Szamburski.
Foto http://www.dadateatr.pl/gal_pppz.htm
Wideo http://www.youtube.com/watch?v=wJAZVf7EchQ

Mirosław Baran, „Gazeta Wyborcza – Trójmiasto”
La escena es una estrecha maqueta del típico piso de bloques, largo pasillio, salón, daormitorio, cocina, baño. Más los muebles y equipo: cama, armario, tele, sofá, ducha y nevera. En este espacio se mueven los cinco protagonistas, que viven uno al lado del otro, pero se notan muy raramente. La danza se entrelaza aquí con las típicas actividades de la casa: ver la tele, dormir, la ducha, comer el yogur de la nevera. Vemos los protagonistas que tienen prisa al salir, se preparan en el espejo, se ponen la ropa. (...)
Lo esencial de la obra es sorprender a los protagonistas en sus momentos privados e íntimos, exactamente cuando estân en casa, no tienen nada que hacer y en la soledad son uno mismo: dejan la cartera y empiezan a bailar o golpean a la almohada con rabia.  En el espectáculo aparecen muchos momentos divertidos aunque domina el sentimiento de la nostalgia, indefinidamente  conmovedor. (...)
No hay en el nuevo estreno de Dada na historia entera o temática importante: grandes ideas, comportamiento social, lucha por una sola verdad. Pero destaca como acontesimiento importante el simple gesto, el sentimiento, un momento de soñar despierto, que no tienen ningún sentido en la historia del mundo, pero para el protagonista son unos momentos muy importantes, aunque muy efímeros.

„La hierba roja”. Estreno 11 de julio 2009 en Teatro Wybrzeże en Gdańsk.
Dirección: Katarzyna Chmielewska, Leszek Bzdyl, coreografía: Leszek Bzdyl, música: Mikołaj Trzaska.
Foto: http://www.dadateatr.pl/gal_trawa.htm
Wideo 1: http://www.youtube.com/watch?v=Yikbqfkgs8E
 Wideo 2: http://www.youtube.com/watch?v=GAcIF8iEjzQ

Mirosław Baran, „Gazeta Wyborcza” Trójmiasto online
Es el espectáculo, en sentido positivo, modesto, con los acontecimientos que pasan lentamente uno después de otro, lleno del erotismo alegre. En la „Hierba roja” tiene un importante lugar la ironía. Pero no tiene un carácter violento, parece más a mirarla con los ojos entornados a sí mismos, o a la reacción teatral de actor-espectador (una escena guapa cuando dos actores, Leszek Bzdyl y Radek Hewelt, entran entre los espectadores, y Katarzyna Chmielewska con Ula Zerek bailan juntas). (...) Uno de los importantes elementos del espectáculo era la música perfecta, a veces sentimental de Mikołaj Trzaski, lograda con motivos de jazz y música electrónica.

 „Caffe Latte”. Estreno 18 de diciembre 2009 en Teatro Wybrzeże en Gdańsk.
Realización: Katarzyna Chmielewska i Leszek Bzdyl (Dada), Paweł Szamburski i Patryk Zakrocki (SzaZa)
Foto: http://kultura.trojmiasto.pl/Kawa-po-mistrzowsku-n36214.html
Wideo: http://www.youtube.com/watch?v=v95QpRwW3_c

Łukasz Rudziński, Trójmiasto.pl
El Teatro  Dada von Bzdülöw de Gdańsk es como el buen vino, mejora con los años. El último estreno, "Caffe Latte", convence en la categoría, de los teatros de danza, donde Dada se siente ya limitado. (...) Esta vez tenemos en la escena dos parejas de baile (Bzdyl con Chmielewska) y, no menos importante para la obra, de música (Paweł Szamburski con Patryk Zakrocki). Los bailarines y musicos dialogan en diferentes niveles, con la ayuda de expresión artística, figuras bailado-músicas (la manera eqilibristica de actuación y movimiento en las parejas mezcladas, por ejemplo Szamburski toca el saxófono  con Chmielewska en la espalda y Zakrocki toca el violín cuando Bzdyl pone su cuerpo en  diferentes posturas), actividades performativas („el sonido del mar” sacado por tocar con el pelo el  micrófono), o simplemente de las charlas. (...) Por la igualdad, muy extraña en el teatro, de todos los miembros el espectáculo tiene en ritmo inconfundible, pulsatorio. Esta propuesta sobrepasa las fronteras del teatro de danza o, por lo menos, rompe su esquema con el baile como disciplina primaria, con la parte musical sometida a él. 

Más informaciones: http://www.dadateatr.pl/menuen.htm

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En breve
Los artistas polacos en  el extranjero

Tel Aviv.  El 28 de agosto de 2009, en el Teatro Tmuna, tenía lugar el estreno de la obra de Michał Walczak „El viaje al interior de la habitación”, en la dirección de Wojtek Klemm . Esto era la continuación del trabajo empezado durante el festival de drama polaco, que tenía lugar durante el Año Polaco en Israel. El texto es el estado de la conciencia escrita de un hombre contemporáneo, de treinta años,  que debe que tomar las decisiones de la vida, pero que tiene dificuldades para ello. Huye dentro de su habitación, se aisla del mundo, no quiere formar parte de la vida. Wojtek Klemm era el director del Teatro en Wałbrzych; en las escenas polacas realizaba los textos de Brecht, Heiner Müller,García Lorca.
Fotos: http://www.poland-israel.org/event/?lang=en&wid=355

Londres. El 23 de septiembre de 2009 en el National Theatre tenía lugar el estreno mundial de la obra de Tadeusz Słobodzianek „Nuestra clase” („Our class”), en la dirección de Bijan Sheibani. Es la primera obra polaca hecha en la escena inglesa nacional. El texto es sobre un grupo de estudiantes de antes de la guerra, sus destinos durante la guerra (entre otros, por, referirse, las ejecuciones de los Judíos hechos por los Polacos) y después de ella; las relaciones cercanas, aunque difíciles, entre gente de diferentes religiones y pensamientos. En sus destinos pesan los buenos y los malos hechos del pasado.
Tadeusz Słobodzianek es uno de los dramaturgos polacos más importantes. Sus obras „Turlajgroszek” („Roda el guisante”), „Merlin” ganaban Fringe First en el Festival en Edinburgo (1993 y 1994). En el año 2003 estableció el Labolatorio de Dramaturgia en Varsovia, el teatro y un estudio que apoya el desarrollo de la dramaturgia contemporánea. 

Más informaciones:
http://www.nationaltheatre.org.uk/49663/productions/our-class.html
Críticas:
http://www.guardian.co.uk/stage/2009/sep/24/our-class-michael-billington-review
http://www.telegraph.co.uk/culture/theatre/theatre-reviews/6228188/Our-Class-at-the-National-Theatre-review.html
http://www.timeout.com/london/theatre/event/154759/our-class

Düsseldorf. El 9 de enero de 2010 tenía lugar el preestreno aleman de la obra de Mark Ravenhill „Shoot. Get Treasure. Repeat”, en la dirección de Jan Klata. El texto de Ravenhill es la colección original de 17 obras cortas de las cuales cada una se refiere a la clásica literatura mundial (por ejemplo, „Odisea”). Todas hablan de las influencias de las guerras de hoy en día, especialmente estas en Oriente Medio para nuestras vidas cotidianas y privadas, etiquetadas con la libertad y democracia, pero pasadas a las casas, barrios-fortalezas, con cada vez más grande aislamiento. El trabajo de Klata en Düsseldorf, es el resultado del encuentro de los dos artistas durante el festival „Neue Stücke aus Europa en Wiesbaden”.
Es el debut de Jan Klata en Alemania. En el año 2008 participaba en el proyecto del teatro Hebbel Am Ufer „X-Wohnungen”, y su primera realización en el mundo alemán era „Ricardo III” de Shaekspeare en Graz.
En el espectáculo actúa, aparte de los actores, el grupo de la música antigua  Neue Düsseldorfer Hoff Musik, que en directo realiza madrigales de amor y de guerra de Monteverdi, que se refieren a las cruzadas y a las guerras de los cristianos con el islam.

Más informaciones (en alemán):
http://www.duesseldorfer-schauspielhaus.de/theater/stuecke/detail/249067/
Críticas (en alemán):
http://www.nachtkritik.de/index.php?option=com_content&task=view&id=3753&Itemid=40

Paris. El 4 de febrero de 2010, en Theatre de l'Odeon, el estreno del espectáculo „Tranvía” en la dirección de Krzysztof Warlikowski, según „Un tranvía llamado Deseo”, de Tennessee Williams. Como los protagonistas, actúan: Isabelle Huppert, y el actor polaco Andrzej Chyra, conocido de muchos espectáculos de Warlikowski. La obra va a ser presentada en París durante todo febrero y marzo; en la segunda parte de abril se podría verlo en Varsovia durante „Encuentros Teatrales Varsovianos”.
El espectáculo es la coproducción de  Odéon-Théâtre de l'Europe, Nowy Teatro y  Grand Théâtre, de Luxembourg, De Koninklijke Schouwburg den Haag, Holland Festival - Amsterdam, Comédie de Genve, Emilia Romagna Teatro Fondazione, Berlinerfestspiele, MC2 : Grenoble.

Más informaciones:
http://www.theatre-odeon.fr/en/la_saison/les_spectacles_2009_10/un_tramway/accueil-f-321.htm

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Festivales

Festival de las obras agradables y desagradables, Łódź
(14 de febrero) 6 de marzo-18 de abril, Łódź
Teatro Powszechny: www.powszechny.pl
Contacto: sekretariat@powszechny.pl

Este festival, al principio, era una revisión de los espectáculos ligeros, fáciles y agradables. Desde las últimas ediciones, en su programación se puede, también, encontrar relizaciones polacas con más ambiciones.

Los espectáculos polacos en la programación:
• Thomas Bernhard „Extinción”, dirección: Krystian Lupa (14,15 de febrero 2010)
• Henryk Sienkiewicz „Trilogía”, dirección: Jan Klata (6,7 de marzo 2010)
• „(A)pollonia”, dirección: Krzysztof Warlikowski (17,18 de abril 2010)
•  „Fedra”, dirección: Maja Kleczewska (23,24 de marzo 2010)
• „2084”, dirección: Michał Siegoczyński (16,17 de marzo 2010)
•  „Supernova. Reconstrucción”, dirección: Marcin Wierzchowski (15,16 de abril 2010)
• Máximo Gorki „Vassa Zheleznowa”, dirección: Waldemar Raźniak (21,22 de marzo 2010)

Encuentros Teatrales Varsovianos

Instituto Teatral Zbigniew Raszewski es la tercera vez que organiza „Encuentros Teatrales Varsovianos”, uno de los festivales más importantes de Polonia. Va a tener lugar desde el 13 hasta el 27 de abril de 2010. En la programación estarán, entre otros, los espectáculos de Jan Klata, Maja Kleczewska, Barbara Wysocka, Krzysztof Garbaczewski, y también la realzación desde París de „Un tranvía llamado Deseo” de Krzysztof Warlikowski. Junto con el Instituto Adam Mickiewicz por tercera vez, planteamos realizar el Polish Theatre Showcase para especialistas extranjeros de teatro. Los detalles sobre la programación la enviaremos en el newsletter especial, al principio del febrero de 2010.